我和钢琴艺术的作文【一】
周六，我跟随威海晚报小记者团去了里口山小苹果亲子乐园。在那里，我们亲身体验了糖画、槐花饼和陶艺的制作过程，大家都特别兴奋。我印象最深的就是制作糖画了。
做糖画的爷爷端坐于桌前，执勺在手，经过短暂构思，飞快地将勺中的糖液挥洒在光洁如镜的大钢板上。看着糖浆像是被施了魔法一般幻化成一个个神奇的形象，凝固的糖液形成神奇的图画，有飞禽走兽、花鸟虫鱼……皆晶莹剔透、栩栩如生。放上一根竹签，风干后就能拿起来。在阳光下，糖画闪闪发光，轻轻地舔上一口，甜甜香香的麦芽糖味道充满整个舌尖，哈哈，真想多舔几下，却又不舍得把它吃完。
据史料记载，糖画起源于明代的“糖丞相”。在那时，每逢新年祭祖，官宦大户人家就会用模具将熔化的糖液印铸成各种动物及人物作为祭祀品，所铸人物“袍笏轩昂”，俨然文臣武将，故戏称为“糖丞相”。后来，这一技艺传入民间，民间艺人将中国皮影、民间剪纸等艺术融入其中，逐渐演变为糖画。这一颇具民间特色的工艺发展至今已有400多年的历史。
真没想到，一幅幅小小的糖画，竟有着如此悠久的历史，融入了这么多民间艺人的智慧。通过这次小记者活动，我体会到了民间艺术的魅力，再一次被我们的民族传统艺术折服，为我是一个中国人而感到骄傲与自豪。
我和钢琴艺术的作文【二】
《艺术的故事》是一本将艺术和历史结合起来的书，介绍了相关的时代背景与艺术家自身的经历，让我们在认识各位名家及其作品的基础上，加深了解他们创作的前因后果。
今天是《艺术的故事》的最后一个故事：多元化的今天。
20世纪上半叶，人们生活中发生了令人难以想象的巨大变化：那些原来依靠二轮小马车从事日常事务的人们，现在可以乘坐汽车出行了；电话和其他技术的发展简化了通讯的过程；科学和医学的进步改善了人们的健康，甚至拯救了那些身患绝症之人的生命。社会发生了天翻地覆的变化。
20世纪初的文学艺术运动层出不穷，永久地改变了绘画的面貌。绘画似乎突然间在各种观念、领域中找到了自我，所涵盖的内容包罗万象，艺术家们开始关注于“活着的当下意义”，多种多样的艺术形式如雨后春笋般出现，经历了现实主义、抽象主义、极少主义等形式之后，艺术领域也衍生出了一种原始而粗犷的风情。
进入到21世纪以后，绘画并没有出现一个主导的风格，而是多种风格并存，不同的艺术家们用自己独特的风格影响着现代观众，他们探究事物的内在和本质，似乎在用一种忐忑不安的情绪在作画，他们用自己的独特的技术和风格，为我们描绘了一个最好的时代，也是最坏的时代。
在今天的内容里，我们所看到的艺术故事的年代跨越似乎有些大，但是他们都是现代艺术中不可缺少的重要一部分，经历了自由发展的艺术家们，要试图在一个全新的时代里创造出全新的艺术风格，这对于所有人来说都是一个极大的挑战。与此同时，科技的进步与政治的变化同样也影响到了艺术的创作。
在以梵高为代表的后印象主义出现之后，这种直面心灵的描绘影响到了其他的一些年轻人，他们饱含着炽烈的感情，想要把这种喷薄而出的情感表达出来。他们追求更为主观和强烈的艺术表现，画风不再特别讲究透视和明暗，而是采用更加平面化的构图、暗面与亮面的强烈对比，用纯粹的写实来表达自己的情感，他们就是野兽主义。
似乎就是从这个时候开始，现代主义的艺术家们都有一种强烈的表现自己的意愿。在1905年位于巴黎的一个秋季沙龙展览上，一批前卫艺术家们的画作在同一层展厅共同展览，一位记者站在色彩刺目、形式大胆的展览中，忽然发现了一件具有文艺复兴风格的小型铜像，不由得惊叫起来：“多纳泰罗被关在野兽笼中！”（多纳泰罗是意大利文艺复兴时期的杰出雕像家。）野兽主义的得名就是这样而来的。不久，这一俏皮话便在杂志上被刊登出来，而“野兽主义”这一略含贬义的称呼也得到了广泛的认同。
野兽主义画家们打破了以自然色彩为依据的着色传统，他们的原则就是通过颜色起到光的作用，以达到空间经营的效果。他们还从非洲和东方画中汲取灵感，利用粗犷的题材，强烈的色彩来颂扬气质上的激烈表情。野兽主义的代表人物马蒂斯（Matisse）始终坚信色彩有其自身的独特能量。他根据感情的需要，将高纯度的平面色块在画中组合，使其形成冲突对比或平衡和谐的关系，产生音乐般的节奏，他的画往往传达着某种欢快的情感，散发着生命的朝气，正如这幅《舞蹈》所表现出的活力一样。
巴勃罗·毕加索，当代西方最有创造性和影响最为深远的艺术家，他是现代艺术的创始人，也是西方现代派绘画的主要代表，大量风格多样的作品和90年的艺术生涯，使他在20世纪的艺术统治地位无出其右。
巴勃罗·毕加索，当代西方最有创造性和影响最为深远的艺术家，他是现代艺术的创始人，也是西方现代派绘画的主要代表，大量风格多样的作品和90年的艺术生涯，使他在20世纪的艺术统治地位无出其右。
毕加索《读书》，毕加索是有史以来第一个在有生之年亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。
一战和二战给人带来的伤痛和反思急需寻找一个发泄的出口，在这种背景下，一批战后艺术应运而生。超现实主义在1920年兴起于巴黎，是由参加过第一次世界大战的法国青年发起的学派主义，他们目睹了战争的荒谬和破坏，对传统的理想、文化和道德产生了怀疑。他们以所谓的“超现实”“超理智”的梦境、幻觉作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”，世界才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目，这种偶发梦境和信马由缰的主张鼓励了艺术家创作出各种荒诞的、不合情理和不协调的作品。《记忆的永恒》就是最为出名的超现实主义作品，作者达利（Dali）引入了有关柔软和正在消融的手表的概念，在这个清晰而令人困扰的梦境般的幻象中，坚硬的物体熔化、变形，蚂蚁爬满了金属怀表，借此意象探讨了人与时间的关系。
同样地，毕加索也用一幅《格尔尼卡》表达他对毫无益处的战争的厌恶之情。在第二次世界大战之后，英国艺术家们选择将肉之躯作为绘画的题材，展现出一种扭曲和孤立的形象，甚至发明了一种脏污的涂抹和泼洒颜料的独特画法，为他们的画作加入了风险和不确定的因素。
表现主义兴起于20世纪初的德国，最初是用来区别印象派的一个术语，后来逐渐流行于法国、奥地利、北欧和俄罗斯。
表现主义的作品多通过扭曲的人物来表达内心的恐惧，因此他们一般不会选择欢快的色彩和主题，但是后来随着艺术家们的不断发展，表现主义逐渐成为一切表现内心感情的艺术代名词，它代表着画家们突破事物表象而凸显其本质，突破对人的行为的描写而深入其内在的灵魂，突破对暂时性现象的描写而展示永恒的品质等。表现主义用颜色和狂乱的线条来表达自我，瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）就是如此，他认为仅用颜色和形状就可以传达艺术家的感觉和情绪，由此，他转向了抽象主义的范畴。
抽象主义更是一种自由发展的画派，画家们想要探索并进行绘画形式的实验，他们认为作品和形式本身就可以成为题材，他们希望创作充满感情和表现力的作品，同时强调画作创作过程的自发性。这是首次在美国兴起的艺术运动，它标志着在此后一段时间里，西方现代艺术的中心终于从巴黎转移到纽约。
抽象主义的艺术家们会在巨大的画布上进行创作，他们甚至发明了新的滴落画法，即把画布铺在地面上，运用颜料滴落的方法，强调创作的随机性。这种做法看起来有些太随意了，甚至有人会批判这根本不算什么艺术，但是正是波洛克（Pollock）开创的这种画法成了抽象主义的主要表现方式。他们笔触自由，奔放大胆，桀骜不驯。以波洛克为代表的抽象主义画家认为，绘画有它自己的生命，而他们只是力求让这种生命出现，因此，在抽象主义的画作中总是充满着一种纯粹的和谐。
随着抽象主义的兴起，西方艺术中心的转移，美国人民终于开始发挥出他们向往自由的天性了。波普艺术，又称为流行艺术（Pop Art）开始出现在美国的大街小巷，这是在美国现代文明影响下而产生的一种国际性艺术运动，其灵感来源于流行文化，包括流行音乐、电影、漫画、通俗文化产品和广告等，他们把熟悉的日常物品拿来创作，直接打破了高雅和低俗文化的区别。
其实，所谓的“波普”也是英语中“棒棒糖”（Lollipop）的一个简化的口语词，也可以指酒瓶或可乐瓶开启的声音，不论是哪个，波普艺术都带着一种轻松娱乐的享受感，与之前的流行艺术不同，波普艺术真正实现了让所有人都能接触到艺术这一使命，我们经常能看到的一系列名人头像，例如《玛丽莲·梦露像》，就是出自这一时期的艺术家之手。
新现代主义首先诞生于现实问题最多的德国，艺术家们用粗砺、原始的笔触，依靠扭曲和疯狂的人物形态，借鉴报纸、神话中的各种资源，表达了自己内心的力量，他们并不是直指政治或战争的惨状，而是用一些抽象的表现形式，甚至是卡通般的画法，用一丝黑色幽默，微妙地涉及了国家与政治。
第二次世界大战结束之后，德国分裂为东德与西德，这种现实的分裂给人们带来了永远无法弥补的伤痛，人们对自己的身份认知产生了怀疑。随着科学上的巨大进步，人们开始怀疑过去已有认知的真理性，同时也开始意识到科学无法解决任何问题。生活的复杂性与艺术互相碰撞，这就是后现代主义的崛起。
后现代主义画家们结合了大量的科技手段，比如他们将一些照片用创作的形式重新呈现，或者是通过对一些摄影照片直接进行变形处理，表现出一种模糊又浑然一体的风格。
但是随着生活节奏的逐渐加快，现代人又产生了新的焦虑，包括社会压力、国际局势、恐怖主义、女权问题等等，这些都在现代艺术中有所反映，宽松的政治环境也使得艺术家们得以更加自由地表达自己的情感。时至今日，可以说只有你想象不到，没有艺术家们做不到的艺术风格，在多样性和多元化程度越来越高的今天，艺术家们最为关注的，还是他们那越发躁动和焦虑的内心。
图伊曼斯（Tuymans），当代最伟大的画家之一，创作了一大批内容题材极其丰富的画作，从羁于纳粹毒气室的紧张痛苦的图像，到日常花卉的平平无奇的再现，这些抽象化的图像带着几乎病态的色系，表达了作者心中的不安和冷漠感，似乎在诉说着现代人的内心。
现代艺术并不是一种终结的陈述，而是一种对绘画的证明。艺术家们一方面试图造就艺术的存在，一方面又质疑这种存在的本质。这就是这个时代能给艺术带来的最好，也是最坏的结局。艺术陷入了被质疑与自我质疑的循环，艺术家们也面临着更多的焦虑与不安。但是我们回顾这些天来所看到过的艺术历史就会发现，从始至终，艺术都只是人类社会的一种表达方式。
关于《艺术的故事》到此就结束了。
我和钢琴艺术的作文【三】
我家有好几件工艺品，但我最喜欢的是套娃。套娃是一个装一个的，它们的形状一样，而大小不一。今天听老师说了，套娃有五个的、七个的、十个的、十二个的，最多的还有十五个的。我的套娃只有五个。
制作套娃要在春天的时候，把树砍下，把皮剥掉，然后放好长时间，有的甚至要放一两年，把水分蒸发掉才能做。如果要做十五个的，必须需要非常薄的木料。
我的套娃外形是一个活泼可爱的小姑娘，一双炯炯有神的眼睛，一张色樱桃小嘴，笑得合不拢。她头戴着一个沙巾，穿着一条金黄色的裙子，里面还有一条粉色的小纱裙，上面有紫色的小花，好看极了。套娃就像妈妈和她的孩子，她们一个套一个，所以叫套娃。
套娃象征着快乐，幸福，所以我很喜欢套娃。套娃是一个装着记忆的小娃娃，只要一打开这个套娃，我就会想起一些美好的事情。我的套娃是一个小公主，又像一个小天使。
我喜爱我的套娃。
我和钢琴艺术的作文【四】
到了15世纪初期，布鲁内莱斯基发现了“透视法”。我们已经看到，尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感，但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中，墙面好像被凿了一个洞。通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。到了15世纪后期，安杰利科修士的一幅《圣母领报》中，我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台，使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。
我和钢琴艺术的作文【五】
它可能没有音乐那么优雅美妙;没有雕刻那么心思细腻;没有绘画那么栩栩如生;但它，却是舞姿动人。
在我年幼时，妈妈曾送我学过一段时间舞蹈，但因为种种原因，我没有坚持下去。
那时的我柔韧性好，下腰、劈叉丝毫不费力气，但现在的我样样都不行。
还记得那时，我天天受到老师的称赞，自主独立，不用老师多花一分一秒在我身上。就说上次吧，我们舞蹈老师让我们先练习蹲马步，再来就是劈叉，我两脚一分，手地按在地板上：“啊~呀~”舞蹈室不断传出我们的惨叫声。老师看了，皱了皱眉头说道:“你们还小，柔韧性应该很好，一劈就下去了，但是你们怎么做不了呢?唉，还是我来吧!”
话音刚落,我身旁的疼痛喊声越来越大。不幸，很快就到我了。老师两手放在我的肩膀上，一只脚放在我的右腿膝盖上，手和脚不约而同地用力往下压，骨头的“咯~咯~咯”，我痛彻心扉，真的像手术台上一条腿被分离出了身体一样。这还没完呢，下面还有更大的挑战。
刚刚是后腿，现在是左腿，老师熟练地往下一压，毫不留情，丝毫没有考虑我们的疼痛感。这还只是简单地压压腿，后面就是两两一组，轮流站在对方腿上，当时我的同伴是120斤的重量级大伽。她先是一只脚站在我腿上，我已经快不行了，更何况还是两只。我疼到眼泪都出来了，劈叉后是下腰，腰骨“咔嚓~咔嚓”地响。上了一节课，就像把自己的身体解剖了一样，身子骨快散架了。
三百六十行，行行都不容易，现在回想起来，还有隐隐作痛的感觉。
我和钢琴艺术的作文【六】
有人说，艺术是一首歌，悦耳动听，美妙的歌;也有人说，艺术是一幅画，画笔均匀，淡雅着色;还有人说，艺术离我们很遥远，因而我们对它一无所知;而我想说，艺术就在我们身边，所以我们都能感受到它的存在。
艺术就在我们身边。听啊，听!“嘀嗒嘀嗒——”，小闹钟一刻不停的声音，难道是不艺术吗?“嘟嘟嘟嘟——”，小轿车发出的鸣笛声，难道不是艺术吗?还有那些神秘的音乐符号，经过不同的排列所奏出的优美乐曲，难道不是艺术吗?
艺术就在我们身边。看啊，看!这幅《松鹤图》，纸上那只栩栩如生的仙鹤、翠绿的青松，还有那缓缓流淌的小溪、圆圆的礁石，以及金灿灿的太阳，这难道不是艺术吗?九龙壁上那生龙活虎的`雕刻，难道不是艺术吗?那窗户上五颜六色的花剪纸，难道不是艺术吗?还有那皎皎明月光，清清石上泉，不都是艺术吗?
艺术就在我们身边。瞧啊，瞧!那桌上古色古香的茶具，难道不是艺术吗?那柜里陈列着的金银首饰，是那样金光闪闪、光彩照人。即使是一个棱角，一个小装饰也都那么精致，这难道不是艺术吗?那花瓶，上面涂画的每一根线条都那么柔美，每一种颜色都那么纯正，每一个人物都刻画的那样别出心裁，每一种景物都恰到好处，这难道不是艺术吗?
艺术就在我们身边。艺术就像星空，仰仰头就能望见;艺术就像大海，踮踮脚就能看见;艺术就像小花，弯弯腰就能摸见;艺术就像终点线，跑一跑就能瞧见;艺术就像果实，伸伸手就能摘见。艺术无处不在，它，就在我们身边······
我和钢琴艺术的作文【七】
《艺术的故事》这是一本教人如何欣赏艺术的书。它看起来有4指厚，16开，文字紧凑但阅读舒适，画面精美，非铜版纸，是哑光的一种我不知道但常用的厚实纸张。版式朴素，简洁，封面看起来甚至不那么艺术，高兴的是它没有腰封，因为它完全不需要这种俗气装饰。
看起来很唬人很高大上是不是？有点，但，它真的很有料。艺术听起来不食人间烟火，但这本书就是让你可以用双手触碰得到那些高高在上的艺术品，让你知道它为什么这么做，它带来了什么影响。贡布里希写作此书并非用作教材或学术，而是为我等凡人所学习阅读，无论是茶余饭后书，是睡前枕边书，还是学习知识书，唯一不能成为的是口袋书或旅行书，因为它真的很重很重。我都是半躺着看，把它放在肚皮上的，肚皮上还要放个靠垫否则太低脖子很疲惫。
其实，我只是想说，你翻开了这本书，会感到双眼大开，你会惊奇地发现那些离我们遥远陌生诡异而面熟的世界，皆为有因有果。翻开这本书，开始艺术的探索（这么说丝毫不为过）。因为我记忆差，所以要做读书笔记。基本为各章节的概括总结、摘选。不知能坚持多久，书太厚了，但是能记多少算多少，算是个回顾。
人们对艺术品的评价，总习惯用简单的美或不美来表达。一幅天真孩童的画作，我们看到了细腻的皮肤，睁大的双眼，纯真可爱，我们不必追究画作的细节、技法就能轻易做出判断：这画很美。一幅老妇的肖像，皱纹满布，眼神浑浊，苍老干涩，我们第一反应是，它很丑。可是，等一下，如果我们可以撇开第一主观的感觉，细细地观察，会发现它描绘的老妇其实如此真实，皱纹、发丝刻画如此细腻，神情那么到位，因为你看到了它的沧桑感。那么，这难道不是一幅上好的画作吗？
（大多数喜欢在画中看到自己喜欢的场景、题材，这是自然的倾向）
（事实上，左右我们对一幅画的喜爱之情的往往是画面上某个人物的表现手法。）
当然，逼真不应该成为判断的唯一标准。一幅野兔子的画像真实再现了兔子的眼睛、胡子、皮毛，无疑，再加上专业的技法，这确实是一幅好作品。无论是细致的刻画，还是粗略的勾勒，这是都是真实地表达。但是，那些看起来不逼真的画作，难道就是不好的作品吗？
人们似乎对看起来不对的东西天生地排斥厌恶，尤其在现代艺术中。不过，没有人非议米老鼠这个非常规的老鼠，甚至喜爱有加。如果在看现代画展，那么情况就不同了，虽然米老鼠和乖张的小公鸡实属异曲同工，但是接受起来小公鸡没有那么容易。
（不管我们对现代艺术家的看法如何，我们都可以毫无保留地相信他们有足够的知识，完全能够画得“正确”。如果他们不那样画，其原因可能跟瓦尔特迪斯尼一样）。
（所以，如果我们看到一幅画画得不够正确，那么不要忘记有两个问题应该反躬自问。一个问题是，艺术家是否无端地更改了他所看见的事物的外形。另一个问题是，除非已经证明我们的看法正确而画家不对，否则就不能指责一幅画画得不正确）
（在欣赏伟大的艺术作品时，最大的障碍就是不肯摒弃陋习和偏见）。前人这么画的，那么就是这个样子，比如圣经。
我们认为艺术家为之焦虑的事情，一般是美的表现和美，但是真正困扰艺术家的是很难用语言表达的。所以一般谈论中的“艺术”都是非文字性的艺术，如果能用语言表达艺术那么这些画作雕塑等等似乎也没了存在的必要。艺术家们只追求一个听起来很简单的东西，合适。这“合适”似乎很难有个明确的度，但多一分少一分，一切都不一样了，就像做菜。艺术家们对着作品，寻找着自己认为的平衡，而这种平衡就是作品本身的平衡，当它传到到观众眼里，也同样差别在分毫间，也让我们觉得，它就应该是这个样子，最合适的。艺术家为了达到这样的平衡，练习自不必说，无数的改动、试验，看似就更改一个颜色、位置，加减一笔，但事实上是复杂而严肃的事情，而非随意随性。如果我们为他到底为什么要这样改，他也无法回答。
在艺术领域，确实有评论家归纳总结规则，但是事实证明，那些墨守成规的庸才画家们淹没在了历史潮流中。艺术家们在离经叛道的征途上获得前所未有的新的和谐。
我和钢琴艺术的作文【八】
对金先生这番话，笔者起初不大以为然，甚至有些愤愤然——世界上没有跟钱有仇的人，谁不爱钱？谁离开钱能活命？如果说老外艺术家不爱钱，那些天价艺术品，那些五花八门的画商、画廊、经纪人、拍卖公司……是谁发明的？如果画家都不要钱不卖画，那些画廊、拍卖公司岂不早就关门了？那些画商、经纪人岂不早就饿了？再说了，外国即便有不爱钱的画家，也是因为他们不缺钱，别墅住着，汽车开着……中国画家爱钱，是因为我们穷怕了，穷够了。穷则思变，穷则思富，人之常情，没有什么值得大惊小怪的。
但是，当冷静下来再仔细咂摸金先生的“逆耳之言”时，笔者的愤怒渐渐消退了——人家批评的没错啊！罗列的现象也完全是我们美术界的事实。再细想想，其实金先生还没说全，当代某些中国书画家早已经拥有了票子、房子、车子，但仍然“疯狂地追逐金钱”，甚至不惜“流水作业”“批量生产”，丢人啊！
毋庸讳言，我们的确是穷人乍富，好不容易有了发财的机会，心态失衡可以理解，爱钱也没有错，但是要成为真正的艺术家，成为大师，确实就不应按普通人的标准要求自己，仅仅把攫取金钱、获得物质享受作为“最高理想”和“终极目标”。因为一个艺术家如果没有崇高的理想、高尚的追求，思想境界庸俗，人格低下，其作品必定很难达到陶冶心灵、美化生活、匡正世风、流传后世的高度和水平；而一个国家的艺术界，如果整体沉溺在追逐金钱、满足物欲、铜臭弥漫的状况里，就确实是严重的病态了，如不痛下决心根治，最终必然要遭到国际社会以及子孙后代的鄙夷、嘲笑、批判和唾弃。
一方面，艺术家也是肉身凡胎，不可能完全抵御金钱物质的诱惑；另一方面，纯粹的艺术创作又天然排斥“唯利是图”“金钱挂帅”。那么，艺术家究竟应该如何正确、妥善地处理艺术与金钱的关系呢？
笔者认为，无论在何种背景、何种条件下，要求艺术家人人做到“重义轻利”或“重艺轻利”都是不现实的，但是如果在艺术界遵循“君子爱财，取之有道”的原则，提倡“重利重义”“重利重艺”，号召艺术家“爱钱不忘爱艺术”“爱钱更要爱艺术”，应该是既符合人性又切实可行的措施。
“重利重义”“重利重艺”，即是对待金钱与艺术二者并重，互不矛盾，互不排斥。具体到书画家个人，可以聪明，但不可以精明；可以经商，但不可以做商人。书画家与购藏者是特殊的买卖关系，出售的作品一定要物有所值，性价比合理，即让顾客花钱买到好东西。在这方面，许多中国古代艺术家做出了正面榜样，清代著名书画家郑板桥就是一个突出的.范例——他痴迷艺术，甚至弃官从艺，作书作画精益求精，水平登峰造极，但他也绝不讳言自己爱钱。在那篇著名的《润格》中，郑板桥不仅开列出真金白银的书画价码，还特别强调“要现钱”。实践证明，顾客掏钱买了郑板桥的书画，无论在当时，还是留传给子孙后代，没有一个人是吃亏上当的。
郑板桥重利，但更重义。在“鱼与熊掌不可兼得”的时候，郑板桥毅然选择“舍利取义”——他曾郑重宣布自己的画是“用以慰天下之劳人，非以供天下之安享人也”“农夫乃为天地间第一等人”。普通劳动阶层的朋友虽然少钱或没钱，但如果真心喜欢他的字画，他不仅绝不再坚持“大幅×两、小幅×两”，还经常无偿赠送。
当代画家吴冠中先生是爱艺术胜过爱金钱的典型——他在物质享受面前表现出超乎寻常的清高和淡泊，尽管作品价值连城，名声如日中天，却甘愿终生布衣蔬食，居旧屋陋室，废寝忘食、呕心沥地画画、写文章，绝对堪称金兑庭先生所说的“对艺术无比虔诚敬畏”“一心一意在做自己内心里的事情”的“纯粹”艺术家。
但愿我们中国艺术界里少一些“疯狂地丢了魂一样地追逐金钱、房子、名车”的人，多一些郑板桥、吴冠中这样“爱钱更爱艺术”或“爱艺术胜过爱金钱”的艺术家。
